Te pido que seas sincero. ¿Cuántas veces te ha sucedido que al acabar tu propia producción o bien si vas a hacer la mezcla para alguien más, te gana la emoción de mezclar al instante porque disfrutas mucho hacerlo? ¿Haz hecho algún plan de por medio?
Si tu respuesta fue sí, lo cuál me imagino que así será, no te sientas mal. A la gran mayoría que estamos dentro del mundo de la post-producción nos apasiona tanto lo que hacemos, que nos emociona iniciar cuanto antes.
El problema está en que al principio quizá todo pueda fluir en aguas calmadas, pero de pronto pueden venirse huracanes que si no estamos preparados para afrontarlos, la mezcla puede irse cuesta abajo y volverse un proceso frustrante.
Obviamente no queremos que pase eso y para tomar estas precauciones te comparto: 5 puntos a tomar en cuenta antes de iniciar una mezcla.
1. Estructura de ganancia
Antes de empezar a mezclar primero necesitas asegurarte de tener una estructura de ganancia
apropiada. Créeme, si no la tienes, más adelante en el proceso de mezcla puedes meterte en problemas innecesarios.
La estructura de ganancia te va a permitir:
- Una mejor resolución en los atenuadores para poder hacer movimientos exactos y una mejor automatización.
- Un margen saludable para que tu mezcla no esté en ningún momento cerca de distorsionar.
- Un mejor comportamiento de tus plugins dentro de su punto dulce.
Si te aseguras de esto, el proceso de mezcla técnicamente fluirá de forma maravillosa y sencilla.
Si no lo haces, te ADVIERTO, vas a pasar momentos difíciles en algún punto del proceso.
2. Balance
Recuerda que el balance es la parte más importante en una mezcla. De hecho de eso se trata. De cómo podemos hacer que a través de un balance adecuado, los diferentes elementos interactúen entre sí para formar un sonido homogéneo.
Para poder tener un buen balance, es importante primeramente identifiques el/los elementos estelares dentro de la mezcla.
A menos de que estés mezclando una canción instrumental, 10/10 veces el elemento más estelar de todos será la voz, y es conveniente hacer todas tus decisiones de balance en relación a esta.
Además de la voz, los elementos estelares pueden intercambiarse dentro de la canción. Quizá en alguna sección hay un solo de guitarra, o un riff melódico de un piano o sintetizador, o bien en el drop de la música electrónica los sintetizadores se vuelven estelares, etcétera.
A lo que voy es que tienes que tener bien en mente estos elementos para poder crear un buen balance de los instrumentos que funcione de acuerdo al/los elementos estelares.
Las herramientas básicas que te ayudarán para obtener buenos balances son: Volumen, Paneo, EQ y Compresión. Úsalos apropiadamente e irás por el camino correcto.
Si todavía no tienes un buen entendimiento sobre estas herramientas básicas, te recomiendo ampliamente nuestro: Curso De Mezcla Básico: El Arte Del Balance
3. Dinámica
Hace algunos años recientes la dinámica nos importaba un comino. Era como si de forma adrede quisiéramos que nuestras mezclas sonaran líneales (sin dinámica) solo por obtener la mezcla más potente del mercado.
Ahora en día los tiempos han ido cambiando poco a poco. No te digo que ya desapareció por completo, pero ahora se aprecia mucho más una mezcla que contenga dinámica controlada.
¿Qué tanta dinámica quieres conservar o eliminar? Para esto es muy importante que tengas bien claro el género en el cuál estás trabajando.
Si por ejemplo tienes una canción de Jazz, una de los aspectos más importantes en este género es que las canciones tengan mucha dinámica.
En comparación, una mezcla de rock por su energía e intensidad tiene dinámicas mucho más sacrificadas.
Aún así, ahora en día con el uso correcto de compresores y saturadores, puedes tener una mezcla que suene con bastante dinámica, con un volumen fuerte y controlado.
OJO* Si empiezas a notar que tu mezcla en las partes más dinámicas (coros, puentes) suena más chica que las secciones anteriores, es un fuerte indicador que estás usando compresión excesiva e incorrecta. Esto puede ser a nivel de pistas individuales o a nivel de mix bus.
Usa la compresión a tu favor, no en contra.
4. Espacio
Recuerda que uno de los objetivos principales a lograr con una mezcla es un sonido tridimensional en
donde a través del uso adecuado del espacio puedas determinar la profundidad de los diferentes instrumentos.
Si un instrumento suena completamente seco, se va a sentir mucho más cercano a ese mismo elemento posicionado en un espacio con un poco de reverberación.
Es importante entonces definas correctamente el uso de estos espacios para lograr una mezcla que transmita las emociones adecuadas.
Por ejemplo:
En el verso, quizá la instrumentación es minimalista en donde solo está la voz y una guitarra. Aquí podría ser buena idea que el uso del espacio sea mínimo para que se sienta más cercano, más intimo.
Después la instrumentación empieza a aumentar y llega el coro.
Aquí el tener la voz en un espacio pequeño probablemente ya no se adecue, entonces puede ser recomendable usar un espacio más grande, que llene más.
Ten siempre bien en mente como el espacio puede ayudarte a definir diferentes planos y profundidades dentro de la mezcla para darle más importancia a los elementos necesarios.
5. Efectos
El uso de efectos es una excelente forma de llevar la mezcla un poco más allá de la perfección en balance.
Para mi gusto, estas herramientas son las que nos permiten darle un toque de autenticidad a nuestras mezclas.
Herramientas cómo:
- Delays
- Moduladores
- Pitch Shifters
- Etcétera
Nos permiten crear efectos memorables dentro de una canción que se pueden en cierto momento volver parte estelar de ella.
Una de mis propias prácticas para lograr el uso adecuado de este tipo de efectos es escuchar y evaluar la canción detenidamente.
Algunas de las preguntas que me hago son:
¿Donde hay algún espacio en blanco dentro de la mezcla que se pueda rellenar? ¿En que punto la mezcla empieza a sonar monótona y repetitiva? ¿Cómo puedo diferenciar una sección de otra? ¿Que efecto puedo usar o desarrollar que no suene muy cliché?
Estas preguntas me ayudan bastante a tener una guía general de los puntos en donde podría usar este tipo de efectos y no caer en uno de los problemas más comunes que me encuentro en mezclas que me envían para evaluación; USAR EFECTOS SOLO POR USARLOS.
Repeticiones de delay donde no deberían de ir, delays fuera de tempo, delay general en secciones inapropiadas, etcétera, son algunos de los ejemplos con los que me he topado.
También me parece importante compartirte que en mi forma de verlo hay dos formas principales para usar este tipo de efectos:
- Cómo una sensación imperceptible
- Cómo un efecto creativo
La sensación imperceptible nos permite lograr con este tipo de efectos un poco de más apertura, y movimiento en la mezcla.
Es el tipo de efectos que no se alcanzan a percibir muy bien en contexto, pero que si los quitamos se siente que algo hace falta.
El efecto creativo es algo mucho más obvio con la intención de que sea un punto memorable de la canción. Son esos efectos que jamás pasarían desapercibidos y que se vuelven un gancho melódico al oído.
Define bien cuál de estos dos usos vas a darle a tus efectos, evalúa los puntos adecuados para hacerlo y toma acción.
En resumen
Me parecen sumamente importantes estos 5 puntos a tomar en cuenta antes de iniciar una mezcla.
Si bien, son bastante generales, son una excelente forma de asegurarte de hacer las cosas correctamente.
¿Que te parecen estos puntos? ¿Agregarías algunos más? Comparte…
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